Migrant Birds Projects is a Berlin-based contemporary art project providing a showcase for artists and services in the cultural industries. Working out of the gallery space at No. 5 Koppenplatz in the heart of Berlin, the project aims to offer a professional platform for cross-cultural communication between China and Europe with a focus on young contemporary Chinese art and design.

The project works through many facets. Promoting young emerging artists in Germany and Europe, Migrant Birds Projects engages artists and designers by offering gallery space for exhibitions, an artist-in-residence program, regular gallery talks and support in liaising with museums, curators, up-and coming festivals and more.

At the cross-roads between the Far East and Europe, Migrant Birds provides various and upon demand tailored educational programs focusing on the detailed mechanics of the cultural industries in Germany / China as well as workshops; tours for curators and collectors both in Germany and China are offered, with the aim of creating and cementing long-term, mutually beneficial working relationships for our clients; as a consultancy we also provide professional support for intercultural projects as much as in high-level art and design trading between these two different worlds.

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"Lu Sisi Solo Exhibition: [TAIKONAUT]"

Apr.20.2018—June.01.2018
Opening: at 19:00, on Apr.20.2018




Foreword:

Migrant Bird Space Berlin is delighted to announce [TAIKONAUT], a new solo show by Lu Sisi that brings key visual and sonic works from the artist’s The Age of Digital / Analogue and 㸚 (li) series together under one roof.

The Age of Digital / Analogue is a series forming one of the nine parts of Lu Sisi’s monumental epic The Age of Digital. Lu’s 2011-13 epic offers a historical reflection on the industrial revolution, its parts ranging from epoch-marking new industrial technologies such as printing presses, weaving looms, cameras and steam engines to the Welsh forests once lost to industrialisation but now regrown. Lu Sisi’s visionary treatment of this history rivals an epic poem, majestic in its endeavour and pathos. Like a taikonaut from the future who roves back through history, it fuses and intersects chaos, technology and romanticism.

Lu Sisi shifts his unique gaze from the industrial revolution to a broader theme in history and human creative endeavour in li 㸚 (2017). A digital audio-visual creation already experienced by museum-goers in Beijing and Shanghai, this is a cross-genre exploration, by way of Peking opera and electronic music, that reassembles shattered fragments of the Eastern and Western visual and auditory experiences in digital and analogue form into a lustrous audiovisual tapestry.

From industry to nature and back to human culture, Lu Sisi’s romantic sensibility informs his entire œuvre. Far more than an artist in thrall to the senses, Lu Sisi adds overarching narrative logic and ambition, creates warp and weft between Eastern and Western cultures, and draws threads across space and time; dreamily but deftly, he foregrounds the charm of romanticism within technology.

Innumerable scintillae of insight form a circle of enlightenment, crystallising as lessons in the past, present and future. Lu Sisi’s digital romanticism betrays a dream – a yearning – of unique texture. His is a stance, an allusion, an all-encompassing discipline, as if he took on a new body and soul to wander between the ages through audiovisual pathways.

Whereas the tension between the technological era and romanticism remains unresolved, and its higher meaning remains too hard for us to grasp, leaving us trying both to break down and to conserve them like things or substances, Lu Sisi offers an excellent sword to this Gordian knot. The exhibition consists of 13 digital works of art, both dynamic and static, with which Lu Sisi uses digital audiovisual media to unearth the future and teleport to the past.

NB: TAIKONAUT is a portmanteau of the Chinese word taikong (space) and the Greek word naútēs (voyager, sailor). Western media is increasingly accepting of this word for Chinese astronauts, and it is a recent addition to major English dictionaries.

柏林候鸟空间荣幸的推出呂思斯个人首展,[TAIKONAUT]坐太空船的人。 此次展览将展示艺术家模拟/数字化時代(The Age of Digital / Analogue)以及㸚(li)系列最具代表性的视觉及声音作品。

呂思斯的模拟/数字化時代(The Age of Digital / Analogue)系列作品是他的繁复巨制the Age of digital的一部分。The Age of Digital创作于2011至 2013年间,是思斯对工业时代的历史反思, 此项目共有9个部分,分别为打印机、织布机、照相机、蒸汽机等工业时代的断代标识以及由于工业发展而消失并又重现的威尔士森林组成。对于这段历史,思斯有他独特的史诗般的理解,宏大、悲壮。如同乘坐太空船遨游在历史中的未来人,混沌+技术+浪漫主义的交叉融合。 在工业时代之后思斯将热情投入了更大的历史人文艺术主题。

数字视听作品Li 㸚 创作于2017年,并于同年在北京及上海的美术馆项目与公众见面。艺术家通过京剧与电子乐的跨界将东西方的视觉及听觉经验打碎以数字模拟重组,呈现出绚烂瑰丽的视听景观。

呂思斯的创作从工业到自然再回到人文,浪漫主义贯穿始终。他并不仅仅是被感官所惑的艺术家。思斯独特的宏大叙事逻辑与向往,以及他赋予想象力的划定东西文化的交织并在空间与时间上予以勾连,神秘且恰如其分的强调了浪漫主义在技术中的魅力。 作品中无数细小的洞见组成启示之环,并最终留存为过去、现在和将来的启示。他的数字浪漫主义拥有独特质感的渴望与梦想。 它还是一种姿态、一种隐喻和一种全方位的操练,如用新的灵魂和躯体通过视听的通道在时代间游走。 虽然技术时代与浪漫主义之间的问题并未解决,因为其精神是含混的,我们似乎试图打破并保存同一个东西或物质,但是思斯对这个难题做出了出色的尝试。 本次展览将展示13件动态及静态的数字艺术作品,它们是呂思斯借由数字视听媒介对过去与未来的考古及探险。

注;TAIKONAUT, 它是汉语拼音“太空”(taikong)和希腊词“nautēs”(航行者)组成。西方媒体越来越多地用这个新词来称呼中国航天员;这个诞生不久的英语单词已被收入主流英语词典中。







"Xia Peng Solo Exhibition: 别担心,都会好的 es fügt sich!"

Mar.09.2018—Apr.13.2018
Opening: at 19:00, on Mar.09.2018




Foreword:

When we last showcased Xia Peng’s works in 2015, the Berlin public shared our appreciation for the way his paintings comfortably alternate between the involved and the minimal. Not just a sense of compositional looseness, but loosely tight and nimble in terms of their sensibility and taste. The new works you now see from 2017 have not been imbued with too much subjective intent; they aim only to thread together various pasts and presents through their spare colours and solitude. Eschewing structure for melody, moving from the local to the void to the infinite, this is the direction Xia Peng invites us to go in. The monochrome and opaque images and segments are as likely to be a collage as they are a deconstructed image. The exhibition comprises 13 works on canvas, 8 in ink, and various block prints.

2015年在我们推荐夏鹏的作品时,我们及柏林的观众都被他自然轻松的在繁简之间自由穿梭的绘画所吸引。不只是画面的“松”,更让人玩味的是品味、意趣的“松”,“松动”却有张力和有韧性。在2017年的新作品中,夏鹏没有给作品附加过多的主观意图,仅着意于在稀薄的色彩和寂静中结成的各种过去与现在的关系。没有结构却有旋律,从一处到虚无再到无穷,这或就是他追求的方向。单色,模糊的形象和块面,不知是在拼出图像还是在拆解图像。此次展览将含括13件布面作品及8件水墨作品及部分版画。







"Group Exhibition: Amitabha, Boundless Buddha"

Nov.17.2017—Dec.17.2017
Opening: at 19:00, on Nov.17.2017
Closing ceremony: at 19:00, on Dec.17.2017




Foreword:

An experience which makes the Boundless Buddha a subject of discussion. We are very pleased to introduce you to 10 of our interdisciplinary and emerging talents on the fields of new multimedia artists from China: Feng Qie, Gao Yutao, Lei Benben, Li Zifeng, Lu Sisi, Luo Qiang, Liang Zhipeng, Ju Anqi, Shi Zheng, Wang Ruohan and Zhang Chong. Our carefully selected artists step back from traditional art and delve into new media art. They create new aesthetic perception, which they achieve through the combination of multiple dimensions, time, space, numbers and multimedia. Presenting a new generation of digital and multimedia art, these artists let us see their mental thoughts throughout their artwork. Further their work discusses biochemistry and nirvana in a new context.
The exhibition ‘Amitabha’ offers a glimpse into the creative practices of 10 contemporary artists from China. Visitors are invited to explore the new media maze through the individual perspectives of the participating artists who call it future destiny. The exhibition is divided into four themed spaces: Future & Landscape, Portraiture & Identity, Religion & Spirituality and Language & Calligraphy.

候鸟空间(柏林)将于11月17日推出新媒体展览无量佛,届时将展出10位中国新锐多媒体艺术家的作品,冯且、高郁韬、雷本本、李子沣、呂思斯、罗蔷、梁智鹏、雎安奇、施政、王若晗、张翀。艺术家们将通过对时间、空间的拼贴与组合用数字与多媒体的方式生产新的美学体验。整个展览将展现新一代数字与多媒体艺术家的禀赋与志趣,并在这个新的语境中讨论生化与涅槃。





"Toys Everywhere"
The exhibition of Ruohan Wang at Berlin Art Week 2017

From Painting to Digital
Migrant 2017- I

Sept.12.2017—22.Oct.2017
opening: at 19:00, on Sept.12.2017




"Toys everywhere"
— Pan-Twodimensionality

Foreword:

Firstly, the term Pan-Twodimensionality is to be clarified. „Pan-Twodimensionality“ is the description of a group of humans usually made up of young people from different cultural societies. Due to the heterogeneous consumer habits of its members, which are influenced and shaped by the respective cultural understanding of the various societies, this group establishes a new trend for the consumer perception. To this new trend, the border between different dimensionalities is fluid; In parts, the border does not play any role anymore. Normally a two-dimensional form of presentation generates an impression of being shallow, simple, naive, designed for children, especially when one thinks about animation or comics. The new term „Pan-Twodimensionality“ lends the whole dimensional way of thinking a depth and flexibility that helps understand the importance of inclusiveness, integration and tolerance and helps understand how the young generation lets its new consumer perception be shaped by multiculturalism.

Today's cultures have become more heterogeneous and they will keep on becoming even more diverse. This noticeable cultural development matches the trend of globalisation towards progression. To visualise the multicultural actuality, the Chinese artist Ruohan Wang chose the technique of collage. According to her, everything can be made into a collage: differing knowledge, diverse cultures and various media. On the level of „Pan-Twodimensionality“, everything can be assembled. Due to this, the artist opts for a collage of traditional drawing and digital medium because this type of collage ranks among the most modern methods of collage art of all. A collage of two media is able to narrate the artist's inner world profoundly. This form of narration is both surrealistically virtual and tangibly true.

Generally, contemporary artists are already familiar with a combination of software and hardware for artistic design. The relationship between these elements is changing under the influence of the digitally and technologically driven progress. The usage of software has already taken over the main role in the creative process. A big advantage of using a software-directed creative process is that it requires substantially less resources than using hardware like paper and paint material. Figures and symbols performed by hardware lose their medial flexibility. Due to this the hardware method has gradually lost its previous dominant position in the creative process of modern times, although the importance of the materiality of hardware still exists because it still appears attractive to numerous artists and recipients. With the help of software, the act of painting becomes independent of hardware. The opportunity to create is therefore expanded in terms of time, space and method. In this modern creative process the artist is much more free to decide when and if he requires traditional painting tools for his work. Screen printing has long been one of the most well-known and popular creative methods. More and more art enthusiasts are collecting graphic prints created by this procedure. In this process, artists first print the graphic which was created with the help of computer programmes. Afterwards they refine the digital graphic through traditional painting using paint and brush. Through these two processing methods the graphic appears vivid and interesting. These two totally different methods of creating art possess similarity with the procedure of animation art.

„Paint“ has by cultural-historic origin been a medium in which the whole universe was integrated. The display of figures and symbols, which are nowadays digitalised through the use of computer programmes instead of being created through traditional ways of painting, just represents a change of method through which the art of painting finds a way to exist contemporarily. Evidently the artists therein discovered a way of visualising their artistic concept which conforms to the aesthetic taste of current time. Art still remains as art, it is original and internally free. However the artistic character of a certain zeitgeist is what modifies art. Through digital methods of creating the content of a painting can become more substantial and dynamic. The traditional understanding of art of having to construct a picture is being widely deconstructed through this dynamic character. In the eyes of artist Ruohan Wang, digital images can leave behind a profound impression on its recipients.

There are three elements closely associated with the creative process of an artistic idea. The technical professionalism of an artist, his sensitive awareness and careful reflection on the world and the aesthetics of randomness in his everyday life. The elements of creating are never identical, on the contrary they are very different from each other. Despite their difference all the elements represent the artist's attitude, insight and mental state in each creative period.

Painting is very private, very intimate in Ruohan Wang's approach. In her concept free thinking is carrier and base. Every one of her creations is individual. In her opinion, visualising her thoughts through the medium of painting is helping her making herself aware and see her own mental state. „Painting“ according to her is only a process after all, an opportunity, a medium to connect A and B and mediate between them. Through this process, emotions such as joy, the feeling of freedom, pain and struggling, etc. can be experienced by other people. To achieve this goal one does not necessarily have to use the method of painting, there are other comparably functioning ways to create. One should however find a medium or several media to discover oneself and create a map of one's own mental landscape. When someone has found the appropriate process, you can speak of creating art. According to Ruohan Wang, a painterly creation contains a function of conservation in addition to its connective impact. In other words the painted creation lets her look back on how the process of mental development of her intuitive inner world has proceeded.

In the eyes of the young generation, „visual art“ is freed from the acceptance and recognition of the viewer or the critics. If one strives for the acceptance and recognition of others, one will come under suspicion of flattery. If one has a goal of entering into communication with others before beginning painting, be it on an emotional or economic level, the creation will inevitably have a character of demanding pity or being didactic and prophesying. A work of art created in this situation doesn't have much in common with free art: the act of painting is being instrumentalised for the purpose of communication.

To Ruohan Wang, painting does not serve a communicative role. She carries out the act of painting and the artistic process solely for herself. Nevertheless she is readily willing to show us her freely created works of art. In doing so, she hopes to sensitise our own perception with the help of her artistic creations; that we can be inspired borderlessly by her careful awareness of her environment which she has sensitively and artistically brought before our eyes through the medium of graphic art.


"Toys everywhere"
— Pan-Zweidimensionalität

Vorwort:

zuerst gilt es, den Begriff „Pan-Zweidimensionalität“ näher zu erläutern. „Pan-Zweidimensionalität“ ist die Bezeichnung für eine Menschengruppe, die meist aus jungen Menschen aus verschiedenen Kulturkreisen besteht. Sie begründet aufgrund der heterogenen Konsumgewohnheiten ihrer Mitglieder, die vom jeweiligen kulturellen Verständnis aus verschiedenen Kulturkreisen geprägt und geformt sind, eine neue Tendenz für das Konsumverständnis. Für diese neue Tendenz ist die Grenze zwischen verschiedenen Dimensionalitäten fließend; Zum Teil spielt die Grenze überhaupt keine Rolle mehr. Normalerweise erzeugt eine zweidimensionale Darbietungsform den Eindruck, dass sie flach, einfach, naiv sogar für Kinder konstruiert sei, besonders wenn man an Animation oder Comics denkt. Der neue Begriff „Pan-Zweidimensionalität“ verleiht der gesamten dimensionalen Denkweise die Tiefe und die Flexibilität, durch die man die Bedeutung der Inklusivität, Integration und Toleranz begreifen kann, wie die junge Generation in dem globalisierten Zeitalter ihr neues Konsumverständnis von der Multikulturalität prägen lässt.

Die heutigen Kulturen sind heterogener geworden, und sie werden weiterhin noch vielfältiger werden. Diese spürbare kulturelle Entwicklung entspricht der Entwicklungstendenz der Globalisierung. Um die multikulturelle Aktualität zu verbildlichen wählt die chinesische Künstlerin Ruohan Wang die Collage-Technik. Nach ihr kann alles collagiert werden: sich unterscheidendes Wissen, vielfältige Kulturen und unterschiedliche Medien. In der Ebene der „Pan-Zweidimensionalität“ gibt es nichts, das nicht collagiert werden kann. Aus diesem Grund entscheidet sich die Künstlerin für die Collage von traditioneller Zeichnung und digitalem Medium, denn diese Collage zählt zu einer der modernsten Methoden der Collage-Kunst überhaupt. Die Collage von zwei Medien kann die intime Innenwelt des Künstlers tiefgreifend erzählen. Die Erzählform ist sowohl surrealistisch virtuell, als auch greifbar wahrhaftig.

Generell ist die Kombination zwischen Software und Hardware für die künstlerische Gestaltung den zeitgenössischen Künstlern bereits vertraut. Das Verhältnis zwischen diesen Elementen ändert sich unter dem Einfluss der digital-technischen Entwicklung. Die Nutzung von Software hat im schöpferischen Gestaltungsprozess bereits die Hauptrolle übernommen. Der große Vorteil daran ist, dass man in dem durch Software geleiteten Gestaltungsprozess erheblich weniger Ressourcen verbraucht als mit der Hardware Papier und Farbmaterial. Von Hardware ausgeführte Figuren bzw. Symbole verlieren die mediale Flexibilität. Aus diesem Grund hat die Hardware-Methode allmählich ihre vorherige dominante Stellung im künstlerischen Prozess der heutigen Zeit verloren, obwohl die Bedeutung der Materialität der Hardware noch existiert, weil sie für zahlreiche Künstler als auch Rezipienten weiterhin attraktiv wirkt. Mit der Hilfe von Software wird das Malen jedoch von der Hardware unabhängig. Die Schaffensmöglichkeit ist dadurch zeitlich, räumlich sowie methodisch erweitert. In diesem modernen Schaffensprozess ist der Künstler viel freier, sich zu entscheiden, wann und ob er die traditionellen Malwerkzeuge für sein Werk benötigt. Der Siebdruck ist seit langem eine der bekanntesten und beliebtesten gestalterischen Methoden, immer mehr Kunstliebhaber sammeln mit diesem Verfahren hergestellte Druckgraphiken. Künstler drucken dabei zunächst die Graphik aus, die sie mit der Hilfe des Computerprogramms kreiert haben. Darauf verfeinern sie die digitale Graphik mit dem traditionellen Zeichnen, nämlich mit Farben und Pinseln. Durch diese zwei Bearbeitungsverfahren wirkt die Graphik lebendig und interessant. Die zwei völlig unterschiedliche Verfahren des Kunstmachens haben die Ähnlichkeit mit dem Verfahren der Animationskunst.

„Malen“ ist aus seiner kunsthistorischen Herkunft heraus das Medium gewesen, in dem das ganze Universum integriert war. Die Darstellung von Figuren und Symbole, die in der heutigen Zeit statt mit traditionellen Malmethoden im Computerprogramm digitalisiert werden, stellt nur eine methodische Änderung dar, durch die die Kunst des Malens ihre Möglichkeit findet, zeitgemäß zu existieren. Offenbar fanden die Schöpfer darin ein Mittel, das dem ästhetischen Geschmack in diesem Zeitalter entspricht, um damit ihr künstlerisches Konzept zu verbildlichen. Die Kunst bleibt immer noch Kunst, sie ist original und innerlich frei. Was die Kunst verändert, ist der künstlerische Charakter eines bestimmten Zeitgeistes. Durch digitale Gestaltungsmethoden kann der Inhalt einer Zeichnung reichhaltiger und dynamischer werden. Das traditionelle Kunstverständnis, dass ein Bild konstruiert werden muss, wird durch den dynamischen Charakter umfassend dekonstruiert. Statt der starren Konstruktion beschleunigt die digitale Kunst ihre rhythmische Wahrnehmung. In den Augen der Künstlerin Ruohan Wang können digitale Bilder einen tiefgreifenden Eindruck bei den Rezipienten hinterlassen.

Es gibt drei Elemente, die mit dem gestalterischen Prozess einer Kunstidee in enger Verbindung stehen. Die handwerkliche Professionalität des Künstlers, seine einfühlsame Wahrnehmung sowie sorgfältige Überlegung über die Welt und die Ästhetik des Zufalls in seinem Alltag. Die Gestaltungselemente sind nie identisch, sie sind im Gegenteil voneinander sehr verschieden. Aber trotz ihrer Verschiedenheit repräsentieren alle Elemente des Künstlers seine Haltung, Einsicht und psychischen Zustände in jeder Schaffensperiode.

Das Malen ist in Ruohan Wangs Konzept sehr privat, sehr intim. In ihrem Konzept ist das freie Denken der Träger und die Basis. Jedes Werk von ihr ist individuell. Sie ist der Ansicht, ihre Gedanken durch das Medium des Malens sichtbar zu machen helfe ihr, sich ihren geistigen Zustand vor eigenen Augen zu führen und zu sehen. „Malen“ ist nach ihr schließlich nur ein Prozess, eine Möglichkeit, ein Medium, dass A und B vermittelt oder verbindet. Durch diesen Prozess können die Emotionen wie Freude, Freiheitsgefühl, Schmerzen und Kämpfen usw. den anderen Menschen erfahrbar gemacht werden. Um dieses Ziel zu erreichen muss man selbstverständlich nicht unbedingt das Mittel des Malens nutzen, es gibt auch vergleichbar wirkende Gestaltungsmöglichkeiten. Man sollte jedoch ein Medium oder mehrere Medien für sich finden, durch die man sich selbst entdecken und die eigene psychische Landschaft kartografieren kann. Hat man den entsprechenden Prozess für sich gefunden, kann man von Kunstmachen sprechen. Für Ruohan Wang hat ein malerisches Werk neben der verbindenden Wirkung auch eine konservatorische Funktion. In anderen Worten gibt ihr das gemalte Werk die Möglichkeit zurückzublicken, wie der Prozess der psychischen Entwicklung ihrer intuitiven Innenwelt verlaufen ist.

„Die bildende Kunst“ befreit sich in den Augen der jungen Generation von der Akzeptanz und Anerkennung der Betrachter oder Kritiker. Wenn man sich um die Akzeptanz und Anerkennung Anderer bemüht, gerät man unter den Verdacht des Schmeichelns. Wenn man vor dem Malen ein Ziel vor sich hat, durch das Werk mit anderen in Kommunikation zu kommen, egal ob auf emotionaler oder auch wirtschaftlicher Ebene, hat das Werk unvermeidbar einen mitleidsheischenden oder didaktisch-prophezeienden Charakter. Ein Kunstwerk, das in dieser Situation hervorgebracht wird, hat mit der freien Kunst nicht sehr viel zu tun: das Malen wird instrumentalisiert zum Zwecke der Kommunikation.

Nach Ruohan Wang dient das Malen nicht der kommunikativen Funktion. Das Malen und den künstlerischen Prozess vollzieht die Künstlerin nur für sich selbst. Dennoch zeigt sie uns ihre frei geschaffenen Kunstwerke gerne. Sie trägt dabei die Hoffnung, dass wir unsere eigene Wahrnehmung mithilfe ihres künstlerischen Schaffens sensibilisieren können; dass wir von ihrer aufmerksamen Wahrnehmung ihres Umfelds, die sie uns feinfühlig und bildnerisch durch das Medium der graphischen Kunst vor Augen geführt hat, grenzenlos inspiriert werden können.
















PAST PROJECTS FROM 2015, 2016 AND 2017 IN UPDATING! COMING SOON!

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